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Im Frühjahr 1998 verblüfften zwei Franzosen die Musikszene. Nicolas Godin und Jean-Benoit Dunckel alias Air spielten elegischen TripHop, der leicht wie Luftschokolade daherkam. Am Ende des Jahres standen Air mit ihrem Debüt Moon Safari in allen Polls auf den oberen Plätzen und eine Million Platten waren verkauft. 1999 blieben Air fast stumm, veröffentlichten das Reissue Premiers Symptomes eine Mini-LP, bestückt mit raren, frühen Singles. Als Bonbon gab es zwei neue Songs, die etwas rauher klangen als das Material auf Moon Safari.

Auf der Interimsplatte The Virgin Suicides komponierten Air den Soundtrack zum gleichnamigen Film und tauchten dabei tief in die musikalische Welt der Siebziger, in denen der Film auch spielt. Die lockere Leichtigkeit war dahin, Air pendeln zwischen Progressiv-Rock, gediegenen Sounds mit einer latenten Schwülstigkeit. Häufig erweckt das Erinnerungen an die Musik zum Softporno Bilitis oder frühes Material von Camel. Das ging soweit in Ordnung, da die Platte nicht als Air-Produkt sondern Filmmusik bewertet werden muss. Für 10000 Hz Legend aber können keine Ausreden herhalten und das zweite reguläre Werk der Franzosen hätte einige nötig. Der Opener "Electronic Performers" ist ja noch eine wunderbar ausgetüftelte und doch zugängliche Elektronik-Hymne. Direkt im Anschluss folgt "How Does It Make You Feel", und das Lied stimmt einen nicht gerade fröhlich. Klingt, als würden Camel durch einen Pomadefluss waten, und am Ufer singen obendrein noch die Engel.

Allmählich kommt die Befürchtung auf, dass Air unter die Latte springen, die sie mit Moon Safari auf Weltrekordhöhe legten. Jedenfalls ist "Radio #12" nicht der Sender des Vertrauens, aber im Anschluss bringt "The Vagabound" deutliche Linderung. Der Song ist ein kleiner Country-Blues, der so nur von Franzosen komponiert werden konnte und der zudem von der Stimme des Gastsängers getragen wird: Beck! Der US-Indie-Star traf Air in Los Angeles, wo das in Paris eingespielte Album seinen Feinschliff und die opulenten Streicherpassagen erhielt. Becks zweiter Gastauftritt findet auf der von psychotischen Sounds garnierten Up-Tempo-Nummer "Don't Be Light" mit einer Spoken Word-Einlage statt. Zwischen diesen beiden Höhepunkten des Albums liegen Tracks mit allen Air-typischen Merkmalen: leicht und doch melancholisch, fließend und doch mit einigen Skurrilitäten versehen. Diesmal aber fehlen Nachdruck und Langzeitwirkung, Air haben mit 10000 Hz Legend nichts falsch gemacht, allerdings machten sie auf Moon Safari im Gegensatz alles richtig. --Sven Niechziol

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Das Debütalbum Roxy Music (1972) zeigte, dass die Briten es nicht so ganz ernst nahmen, man sie aber ernst nehmen musste. Das Sextett spielte Art-Rock im Glam-Gewand, bis aufs i-Tüpfelchen gestylt. Doch in dem bonbonfarbenen Model-Cover mit Kari-Ann steckte eine riesige Portion Talent und Aufregung. Wenn Bryan Ferry zum Piano mit seinem manirierten Gesang das Cocktail-Geschnatter auf "Re-make/Re-model" durchdringt, ist die Überraschung perfekt. Erst recht, wenn mit zahlreichen Breaks verrückte Kurz-Soli-Persiflagen eingeblendet werden, die zu einem völlig erschöpften Slow-Motion-Schluss führen. Es ist eines jener Alben, auf denen dramaturgisch aufgebaut ein Stück ins andere führt, und man bei der CD den spannenden Moment vermisst, wenn man die alte Vinyl-Scheibe umdrehte und zwischen "2 H.B." und "The Bob" Luft holte.

Auf der ehemaligen B-Seite herrscht durchwegs Moll-Stimmung mit Tempiwechsel, dem unorthodoxen Einsatz der Instrumente von Oboe bis Geige und Versatzstücken, Tape-Collagen und frühen Synthesizer-Gewittern. Auf den Schnulzgesang von "Sea Breezes" folgt "Bitters End", das an alte Broadway-Komödien á la Noel Coward erinnert, wenn Andy MacKays Oboe und Enos ungeschliffene Synthi-Effekte Emotionen aufwühlt. Die billige Produktion gibt dem Debüt noch mehr zeitlosen Charme. Roxy Music waren Kult, bevor ihre Karriere überhaupt begann -- das war der Coup. Und ihr Debütalbum ist ein ungeschliffener Diamant ohne Fassung, herrlich dekadent, verdreht und sentimental -- Pop at it's best! --Ingeborg Schober

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Schon nach Veröffentlichung des ersten Albums The Kick Inside der damals (1978) gerade mal 19-jährigen Kate Bush aus der englischen Grafschaft Kent waren die Kritiker wie selten zuvor einhellig begeistert. Doch dieses Monster-Album des introvertierten Teenagers mit der originären, zwischen Hysterie und Heiligkeit pendelnden Fünf-Oktaven-Stimme, war alles andere als eine Eintagsfliege. Der Nachfolger Lionheart klang zwar noch wie ein müder Aufguss des Debüts, doch Meisterwerke III und IV, Never For Ever bzw. The Dreaming, waren Meilensteine ihrer Art. Zum einen gab's da diese so unorthodoxe wie beeindruckende Kombination aus Pop und Folk, Theater und Rock, als Dreingabe noch rätselhaft-mystische Texte, die sich im Spannungsfeld zwischen Fantasy, Spiritualität, Erotik und Sensibilität bewegten. Auf der Anthologie The Whole Story, erschienen 1986, sind die zwölf Highlights aus der ersten Dekade der genialen Songwriterin vertreten -- moderne Klassiker wie "The Man With the Child In His Eyes", "Running Up That Hill", "Sat In Your Lap", "Babooshka" oder "Wuthering Heights". Schade, dass es seitdem so verdammt ruhig um das Wunderkind von einst geworden ist. Gegen einen ordentlichen Nachschlag aus der artifiziellen Rock-Ecke hätte sicher niemand etwas einzuwenden. --Michael Fuchs-Gamböck

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Die schon beim Debüt auffällige und mit "Hush" recht erfolgreich praktizierte Vorliebe für Coverversionen pflegen Deep Purple erneut bei ihrem zweiten Longplayer von 1969. Hier geben sie nach "Help" wieder den Beatles ("We Can Work It Out") die Ehre, zudem Neil Diamond ("Kentucky Woman") und Ike & Tina Turners Hit "River Deep, Mountain High", in einer beinahe orchestral inszenierten Version. Nicht nur beim Opener "Listen, Learn, Read On" ist offenkundig, dass das britische Quintett allmählich zu seinem Stil findet. Mehr noch beim instrumentalen "Wring That Neck", das Ritchie Blackmore als Podium für starke Gitarrensoli nutzt und fast schon alle Elemente ihrer späteren Rock-Dramaturgie aufweist. Selbst "Kentucky Woman" gewinnt dank Jon Lords mitreißender Orgel und treibender Rhythmik deutlich an Dynamik, ebenso der mit "We Can Work It Out" gekoppelte Instrumentalpart "Exposition", der auf Lords klassische Ambitionen verweist.

Mit dem eingangs poppigen "Anthem" bekommt Sänger Rod Evans sein Podium, ehe Streicher das auf dem dritten Album ausgeweitete "April"-Thema anspielen. Für Deep Purpologen ist The Book Of Taliesyn --- in seinen musikalischen Stimmungen vorgeblich vom Barden des legendären König Arthurs inspiriert --- ein Schlüsselwerk, weil es sowohl dem kompakteren Rock-Sound späterer Zeiten phasenweise vorgreift und Jon Lords bald intensiv ausgelebte Nähe zur Klassik andeutet. Fünf Bonustracks, davon drei bei Top Gear-Sessions der BBC mitgeschnitten und allesamt bislang unveröffentlicht, machen die klanglich stark aufgemöbelte CD aus der Remastered Collection noch attraktiver. --Claus Böhm

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Andere Bands betiteln ihr Debüt mit dem Gruppennamen, Deep Purple taten es erst 1969 bei ihrem dritten Album. Viele Fans, für die ihre Karriere erst mit Deep Purple In Rock so richtig in die Gänge kam, mögen das Werk mit dem originalen Cover von Hieronymous Bosch nicht --- in erster Linie wohl, weil die "Mark I"-Besetzung mit Keyboarder Jon Lord, Gitarrero Ritchie Blackmore, Trommler Ian Paice und den bald darauf Abgängigen Rod Evans (Vocals) und Nick Simper (Bass) für "April" gleich fast ein ganzes Sinfonieorchester antreten ließ. Dafür stammen bis auf das sinnlich delikate, getragene "Lalena" von Donovan diesmal alle Songs aus ihrer Feder. In den Power-Stücken "Chasing Shadows", "Bird Has Flown" oder "Why Didn?t Rosemary?" ist das Quintett zu einer kompakten Einheit verschmolzen, sind Gitarren und Keyboards songdienlich perfekt ausbalanciert, hüpft der Bass markant durch die Songs. Und Blackmore liefert bei Letzterem und im treibenden "The Painter" seine bis dato pointiertesten Soli ab.

Im Übrigen bestreitet die Band auch im gut zwölfminütigen "April" mustergültig ihren Part zum Ein- und Ausstieg. Klanglich ist die Neuauflage der Remastered Collection ohnehin sowohl dem Ur-Muster wie auch den beiden anderen Frühwerken in Punch und Transparenz um Längen überlegen. Und auch hier winken fünf Bonustracks als Dreingabe: eine alternative Version von "Bird Has Flown", die rare Single-B-Seite "Emma-retta" plus drei knackige Mitschnitte der BBC. Gründe genug also, eventuelle Vorbehalte zu begraben. --Claus Böhm

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